古典与唯美---西蒙基金会藏欧洲十九世纪绘画精品展

古典与唯美——西蒙基金会收藏雕塑、绘画展

        由中华世纪坛世界艺术馆、西蒙基金会及国内五家博物馆共同举办的“古典与唯美——西蒙基金会收藏雕塑、绘画展”将于2011年9月15日在世界艺术馆隆重开幕，展览持续至11月21日。

        西蒙基金会成为欧洲本土之外最大的艺术品私人收藏机构之一，由墨西哥收藏家胡安·安东尼奥·佩雷斯·西蒙创立。基金会收藏有中世纪到当代的数千件艺术品，尤以欧洲19-20世纪的藏品最为丰富和精彩。本次展览是中华世纪坛世界艺术馆与西蒙基金会的第二次合作，将同时展出19-20世纪初的雕塑、绘画两种艺术精品，数量达79件之多。在国内，同时以雕塑与绘画两种形式集中展示这一阶段西方艺术的综合性展览，在国内尚属首次。

        本次展览可堪称不出国门就能欣赏到与法国卢浮宫、美国大都会博物馆、英国大英博物馆媲美的顶级艺术品，也是极为罕见的名家、名作的集中展示。它云集了欧洲学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义，以及现代派艺术家的作品。其创作者则囊括了众多欧洲艺术史上声名卓著的艺术家，如毕沙罗、雷诺阿、高更、博纳尔、吕德、莱顿、巴里、卡尔波、罗丹、克洛代尔、热罗姆等。布格罗的《纯真》、罗丹的《永恒之春》、雷诺阿的《母与子》、博纳尔的《侧面站立的裸体》等展品，以丰富的表现形式、多样的艺术语言贯穿起一条19-20世纪初艺术流变的脉络。“古典与唯美”、“生命的维度”两个部分的展品将分别呈现出强调崇高、追求精致的古典趣味；以及形式多元、手法丰富的向现代性过渡的视觉尝试。

        同时，本次展览还将强调一种分享的理念。艺术品的专业性将被弱化，取而代之的是另每一位观众都能看懂、欣赏和喜欢的美的展示。观众可以悠游于神话故事或生活场景中，亦可欣赏女性的优雅与孩童的天真，体味爱情的唯美与艺术家对劳动的赞美。

        在展览期间，还将举办学术讲座、亲子活动、城市雕塑摄影以及微博线上活动等。参与后两项活动的观众还有机会获得展览图录、相关优惠、周边小礼品等。

        本次巡展将于2011年9月正式启动，在中华世纪坛世界艺术馆展首展后，到深圳博物馆、重庆中国三峡博物馆、浙江省博物馆、湖北省博物馆、河南博物院依次展出，跨越6个省市，至2012年11月结束，为期14个月。

展览亮点：

1、首创性：
首个19-20世纪初雕塑、绘画两种艺术形式的综合性艺术展览，作品涵盖这一时期欧洲各个风格流派——学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义、及现代派等，将勾勒出一幅19-20世纪初欧洲艺术的全景。

2、知名度：
著名艺术家云集，包括吕德、莱顿、巴里、卡尔波、罗丹、克洛代尔、热罗姆、雷诺阿、高更、博纳尔等19至20世纪初欧洲艺术史上划时代的著名艺术家。其中，罗丹的4件作品和他的学生兼情人克洛代尔的3件作品作为一组，呈现他们在创作上的相互影响。

3、普及性：
作品的挑选弱化了专业性，选择以人物为主的题材和作品，将成组展示神话题材、女性题材、儿童题材、劳动题材等作品。强调了与大众的贴近，便于欣赏和理解。

4、观赏性：
雕塑与绘画两种艺术形式同时展出，互相映衬，体现时代风格与特色。其中还包括同一艺术家绘画和雕塑两种形式的创作，增强可看性。如雷诺阿的纸上色粉《母与子》及据此创作的青铜雕塑《母与子》。

5、唯一性：
作品全部来自私人收藏，极少公众面前展出。保证了对于观众的吸引力。

6、规模性：
展览在中华世纪坛世界艺术馆展首展后，将到深圳博物馆、重庆中国三峡博物馆、浙江省博物馆、湖北省博物馆、河南博物院依次展出，跨越6个省市，至2012年11月结束，为期14个月。是一次长时间、多地域的大规模巡展。

展览基本信息（中英）：

“古典与唯美——西蒙基金会收藏雕塑、绘画展”
展出时间：
2011年9月16日-11月21日（北京）
2011年12月2日-2012年1月29日（深圳）
2012年2月9日-4月8日（重庆）
2012年4月19日-6月16日（杭州）
2012年6月26日-8月23日（武汉）
2012年9月2日-10月31日（河南）

主办单位：
中华世纪坛世界艺术馆、西蒙基金会、深圳博物馆、重庆中国三峡博物馆、浙江省博物馆、湖北省博物馆、河南博物院

支持单位：
北京歌华文化发展集团、中华世纪坛艺术基金会

From the Academy to the Avant-garde: European Sculpture at the Pérez Simón Collection

Duration:
Beijing Sep. 16，2011- Nov. 21，2011
Shenzhen Dec. 2，2011-Jan. 29，2012
Chongqing Feb. 9，2012- Apr. 8，2012
Hangzhou Apr. 19，2012- Jun. 16，2012
Wuhan Jun. 26，2012- Aug. 23，2012
Henan Sep. 2，2012- Oct. 31，2012

Hosted by:
Beijing World Art Museum
Juntos Actuando por la Superación，A.C.
Shenzhen Museum
China Three Gorges Museum in Chongqing
Zhejiang Provincial Museum
Hubei Provincial Museum
Henan Museum

Supported by:
Beijing Gehua Cultural Development Group
The China Millennium Monument Art Foundation

01
弗朗索瓦·吕德（1784-1855）
《赫柏女神与朱庇特的鹰》
青铜
76.8 x 56 x 38.5 cm

         1846年，第戎城委托弗朗索瓦·吕德创作一件雕塑，他便开始创作《赫柏女神与朱庇特的鹰》。这件大理石作品有八英尺高，直到吕德去世都还未完成——它是在吕德的遗孀的指导下、他工作室的助手保罗·卡贝（Paul Cabet）的帮助下最终完成制作的。建成的纪念碑1857年在巴黎市政厅公开亮相，得到了批评家的赞赏，泰奥菲勒·戈蒂埃（Théophile Gautier）就称之为“遗作展出的伟大胜利”，且融合了柏拉图对美最充分的定义。

        这件《赫柏女神与朱庇特的鹰》现存于第戎美术馆。大理石的底座上雕刻着荷马、赫西奥德、欧里庇得斯、奥维德、维吉尔和卡图洛（Cátulo）的名字，赋予了作品诗学的意义并反映出艺术家对于古代所掌握的丰富知识。赫柏女神是朱庇特（宙斯）和朱诺（赫拉）最小的女儿，是为众神斟酒献食的青春女神。朱庇特的鹰是神的化身，象征着权力。虽然这件作品表现了“永恒青春”的神话主题，但是艺术家采用与前人不同的手法，以精湛的自然主义表现人物的身体。吕德在表现中将赫柏女神提升为女性的象征，而鹰则成为愿望和爱的象征，大概希望以此来强调生命周期的力量和持续的循环。正如第戎美术学院指出的，吕德的这件作品可以称之为“艺术的遗嘱”。因为这样的重要性，作品后来产生了青铜版本。熔炼工蒂埃博（Thiébaut）是制成第一个青铜件的匠人，西蒙基金会收藏的这件来自于他的继承人弗尼埃（Funière）和 加维涅（Gavignot）的作品。

02
安托万-路易·巴里（1796-1875）
《特修斯杀死马人》
约 1876年
青铜
73.5 x 67.2 x 30.2 cm

        安托万-路易·巴里以表现动态的动物而著名。作为金匠的儿子，巴里最初在金属雕刻师福涅尔（Fournier）那里当学徒，为军方制作纽扣。之后他被招兵进入军队，在退伍之后跟随雕塑家弗朗索瓦-约瑟夫·波西奥（Francois-Joseph Bosio）和画家巴伦·安托万-让·格罗斯（Baron Antoine-Jean Gros）学习。因为格罗斯，巴里与浪漫主义艺术有了更直接地接触：他没有追随学院建立的法则。巴里的这种艺术品味引起了巴黎沙龙委员会的多次批驳，直到1850年才展出了他的作品《特修斯杀死半人马》。

        这件雕塑的主题来源于奥维德的《变形记》，即拉皮塔（Lapita）庆祝庇里托俄斯（Pirithous）和希波达米亚（Hippodamia）婚礼的那部分。半人马不习惯饮酒，他醉酒后试图强暴人类女子，挑起了人类和半人马之间的战争。雕塑表现的是特修斯与半人马比耶纳（Biénor）打斗的场景，拉皮塔屈从于半人马可以被理解为一个隐喻，暗示理性被置于动物的本性之下。巴里巧妙地利用这个史诗般的情景，表现出了其雕塑中表现身体动态的娴熟技艺和对动物解剖细节的丰富知识。巴里创作的这个题材的作品有两个不同版本，构图略有不同。此作品属于第二个版本，比送去铸造的第一件更注重细节的表现，并清晰地表现出从乔万尼· 博洛尼亚（Giovanni Bologna）的《赫丘利斯杀死半人马》（Hércules matando un centauro ）中获取的灵感。

03
让-莱昂·热罗姆（1824-1904）
《酒神的女祭司与爱神》
1897年
青铜 
95.5 x 33.5 x 32.5 cm

        让-莱昂·热罗姆并不是一个正统的学院画家，但他参与了当时很多的艺术运动。他的作品因为热爱描绘历史和神话故事而带有特殊的图像学特征。虽然热罗姆一开始就对雕塑产生了兴趣，但是直到1878年，他才开始雕塑的创作。艺术家把自己创作的绘画《波利切·维尔索》（Pollice Verso）中的一部分制成了雕塑。作为一个雕塑家，热罗姆对于创作彩绘的作品具有特殊的兴趣，受到当时考古发现的启发，他对于古典雕塑有了自己新的解读并运用不同材料或铜锈的组合创作了彩色的雕塑作品。总体来说，他的绘画和雕塑之间互有关联和参考：比如这件《酒神的女祭司与爱神》。虽然1873年的绘画作品《巴库斯》丢失且没有任何记录了，但我们知道，画作中表现了和雕塑中同样的形象。

04
马蒂兰·莫罗（1822-1912）
《爱侣》
大理石
96.3 x 44.5 x 40.5 cm

        马蒂兰·莫罗最初跟随父亲进行艺术方面的学习。1841年，他进入美术学院深造。莫罗是在意大利学习、倾向于学院风格的法国雕塑家的一员。他的作品似乎受到了希腊作家朗高斯的影响，取材于朗高斯所著的一部浪漫的乡村小说《达佛涅斯和克洛伊》。故事中讲述了被牧羊人收养的两个孩子的故事，他们经受了各种不同的遭遇，随着时间的流逝，纯真的感情变成了全然的、热烈的爱，最终两个人结为夫妻幸福的生活在了一起。这个故事用象征的手法表达人们渴望的真爱的价值。小说《达佛涅斯和克洛伊》曾多次印刷，故事主题影响了很多艺术家，成为他们的灵感来源，就像我们能在这件雕塑中欣赏到的那样。

05
乔万尼·马里亚·本佐尼（1809-1873）
《蒙面纱的丽贝卡》
1871
大理石

        本佐尼1828年起进入洛韦雷美术学院学习，是朱塞佩·法布里斯（Giuseppe Fabris）的学生。在罗马他继续就学于圣卢卡学院，并受到彼得罗·泰内拉尼（Pietro Tenerani）风格的影响。1861年和1863年，他曾在安特卫普展出作品。

        这件作品表现的是圣经中的人物、彼土利的女儿利百加，她蒙着面纱，正等待着被介绍给将来的丈夫以撒。利百加以美貌、好客和谦逊著称。艺术家在这里通过面纱来表现人物的天真和纯洁，同时，高超的技艺又让她的身体显露出来，可以让我们看到她那贞洁的身躯和羞涩的面庞。这件作品的面纱让人想起加埃塔诺·卡拉尼（Gaetano Callani）现位于米兰王宫的大理石雕刻作品《女像柱》（约1778年）。《蒙面纱的利百加》被认为是本佐尼的杰作，它被复制达37次，在美国马萨诸塞州的贝克郡博物馆、印度萨拉加格博物馆、美国佐治亚州的高等艺术博物馆等地收藏。

06
威廉·亨利·莱因哈特（1825-1874）
《沉睡的儿童》
1859-1869年
大理石
37 x 94.5 x 49 cm

        美国雕塑家威廉·亨利·莱因哈特以其新古典主义的风格而著称——这在他那些具有时代感的作品中表现得尤为明显，他显然也颇为自得，将其本人作为自己专著中介绍的第一位雕塑家列出。莱因哈特同时活跃在美国和意大利两地，美国的订单多来自巴尔的摩的居民委托以及政府进行的公共建筑装饰工程。1859年莱因哈特用雕刻装饰了西森孩子们的墓地，西森是他在巴尔的摩的朋友和客户。因为当时弗朗西斯·钱特里（Francis Chantrey）成功地为罗宾逊的姐姐的孩子修建了墓碑（位于现在的李奇菲尔德教堂），也由于利迪娅·西歌尼（Lydia Sigourney）的一首“不是死亡，而是熟睡”诗歌的流行，莱因哈特怀着他们能从死亡中一起苏醒过来的美好愿望，创作了表现两个相拥入眠的孩子形象的雕像。这座石雕置于孩子们在巴尔的摩的绿山公墓中的墓地之上。石雕栩栩如生的形象及莱因哈特娴熟的雕刻技艺，都为他带来很高的声誉，后来他本人又做了25个同样的石雕。一种说法是莱因哈特在朋友孩子午睡的时候画了草图，还有一说是他用了画家朋友的素描稿做参考。他的构图与钱特里（Chantrey）的非常相像。由于婴儿夭折的情况在那个时代相当普遍，为孩子建造墓碑的行为很流行。然而雕像中的孩子们睡得那么的甜美和安详，使人们赞叹、欣赏乃至忘却了为怀念逝者所创作的初衷。

07
阿尔弗雷德·布歇（1850-1934）
《沃吕比里斯》
大理石
66 x 42.8 x 30 cm

        阿尔弗雷德·布歇因为作品中所表现的现实主义而受到批评家的赞赏。然而，除了如《挖掘者》这样社会性的主题和《冲向目标》这类表现出艺术家技术上能力的作品，他也创作了一系列诗意的、与自然和神话相关的佳作：如《沃吕比里斯》这类表现大理石中出现的女性躯干的雕塑，它有一系列不同的名字和变种的作品，如《田野》、《戴安（Diane）头像》等。艺术家神奇的双手使粗糙的底部材质和抛光的女性身体之间的对比十分卓越，似乎这个女性是从材料中显露出来的。然而，这种“未完成”的方式让当时的批评家颇为困扰，认为这种与大理石直接的对比削弱了人物的柔和与高雅。作品有可能是受到了意大利雕塑的影响——也许就是米开朗琪罗一系列的奴隶作品。在同一种材料上表现出不同质感的表达影响了布歇的朋友奥古斯特·罗丹和学生卡米耶·克洛代尔，他们把这种语言深化，赋予了雕塑新的表达和意义。

08
奥古斯特·罗丹
（1840-1917）
《永恒之春》
1884年
青铜
40 x 50.3 x 29.8 cm

        奥古斯特·罗丹的知名度在很大程度上归功于其创作的雕塑作品系列《地狱之门》。这一作品包含了丰富的内容和复杂的雕塑手法，艺术家在进行创作时对每一个部位都精雕细琢，用他独特的方式进行创作并由此而衍生出无穷的变幻之感。《地狱之门》系列雕塑中的人物并非处于同一场景中，每一个人物都仿佛置身于各自奇幻而又不可捉摸的空间内，罗丹在创作中为每一个人物赋予了独特的美学语言。

        《永恒的春天》（L’éternel printemps）是这组雕塑中的其中一件，先后经过了数次修改并有不同的名称：起初这件作品的名字叫做《吻》，其后所采用的名字还包括《泽弗洛斯与大地》及《青春或理想》，直至作品最后修改成型，才最终采用了《永恒的春天》这一名字。罗丹还根据所用材料的特质对此作的不同版本进行了改进，以使得雕塑的支撑部位足以承受整个雕塑的重量。在最初的版本中，男子的腿悬于空中，但在制作大理石及青铜材质的版本时，艺术家在男子的身后增加了岩石的雕塑作为支撑，从而使得整件作品更加稳定。由于罗丹开始享受此类作品所带来的巨大成功，巴伯迪耶纳冶炼厂与罗丹签署了一份合同以减少《永恒的春天》以及《吻》这些雕塑中青铜的用量。在增加了岩石支撑后，制作第二版《永恒的春天》时，冶炼厂一共制作了230座雕塑以满足公众的需求。

09
卡米耶·克洛代尔（1864-1943）
《华尔兹舞曲》
1895年
青铜
46.5 x 35 x 20 cm

        这件作品无疑是卡米耶·克洛代尔（Camille Claudel）最著名的作品之一。在这件作品中，一对情侣正在起舞，他们的身体慵懒地交织在一起：艺术家用斜侧面的角度很好地捕捉了舞者的姿态。

        克洛代尔从1889年起就开始对《华尔兹舞曲》（La valse）（或被称为《舞者》）这一主题进行创作，艺术家经过深入研究为这一雕塑创造了不同的版本。各版本之间的差别几乎微不可辨，但却能为观看者带来不同的个人感受。在这一作品的最初版本中，这对情侣未着寸缕，在炽热的拥抱中起舞。克洛代尔认为只有石质的材料才能充分地表现这一作品的魅力，希望制作它的大理石雕塑版本。雕塑家为此向法国政府寻求资助，但作品中赤裸的肉体表达了明显的感官享受主题，使其在寻求政府资助时遇到了障碍。尽管由美术部派来的检查人员也承认了艺术家的技术素养，但还是因舞者赤裸而紧贴的身体感到吃惊；由于这一雕塑充满明显的情欲意味，并且这一作品出自一位女艺术家之手，检查员向克洛代尔建议为雕塑穿衣蔽体。尽管罗丹也写信呼吁，表示不赞成美术部的决定，但最终的结果还是克洛代尔被迫退让。随后，尽管政府的资助程序顺利完成，可克劳代尔从未收到过资助的大理石块——显然，美术部的负责人亨利·若昂（Henry Roujon）对这一项目并不完全赞同。《华尔兹舞曲》于1893年在巴黎沙龙首次展出，评论家肯定了这一作品，在这一雕塑中克洛代尔让这对情侣不受重力的限制，捕捉住了他们的运动及失衡的形体。从象征意义的层面来看，作品表达了两个相爱灵魂的结合超越了物质的世界。

10
埃德加·德加（1834-1917）
《观察足部的舞者》
1919-1921
青铜
47.4 x 23.6 x 22 cm

        埃德加·德加主要因其油画、色粉画和版画著称，不过他作为雕塑家的所创作的作品也很突出。除了1881年在印象派展览中展出的十分著名且引发争议的《十四岁的小舞者》，德加其他的雕塑作品都在1917年艺术家过世之后才被世人知晓：当时杜兰德-吕埃尔（Durand-Ruel）和安布鲁瓦兹·沃拉尔（Ambroise Vollard）在德加的工作室整理作品，发现了大约150件蜡制的和陶土的雕塑。这次发现之后，74件小塑像被保护下来并得以修复；而仅仅两年之后，1919至1921年间这些小塑像中就有72件就被阿德里安·埃布拉尔（Adrien Hébrard）根据传统的失蜡法浇筑为青铜。同时，有几次展览展出了这些作品，以强调德加所感兴趣的主题，探究他用以进行艺术表达的材料与方法。

        德加常常捕捉女性和动物的姿势、动态和神情，1861年他拜访了友人瓦尔平松（Valpinçon）在诺曼底的家，开始对马特别关注。另外，舞蹈演员也是德加非常重要的主题，他在工作室里或者舞台的不同位置和情境下捕捉她们的姿态，比如这件《观察足部的舞者》。众所周知，德加在雕塑材料的使用方面是自学的，他用这种艺术形式仅仅是为了观察实验，从未有兴趣公开展出。然而，一直持续地描绘人类的身体，加上对于日本版画、摄影、插图和平面设计的知识，让他得以构想出十分引人注目的作品——比如这些舞蹈中的不同姿态——从而让观众获得了一种全新的视角。所有这些作品都呈现出空间中瞬间的、片段似的、自发的人体形态。不要忘了，同时代的皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿认为德加是当时最伟大的雕塑家之一，而奥古斯特·罗丹则认为其雕塑优越自己的作品。

11
威廉·阿道夫·布格罗（1825-1905）
《纯真》
1893年
布面油画
100.3 x 52.7 cm

        布格罗是忠实于19世纪学院派艺术典范与传统的艺术家之一。他的作品是对古代希腊罗马和基督教古典主题的现代诠释，其中尤其强调对女性形象的表现。布格罗技法高超，品质惊人，对所有的细节刻画得无微不至。值得一提的是，当时不仅有艺术家钟情这种品味，也有不少艺术家偏好不那么理想化、比较现实的主题。然而，这个艺术家作品的特殊之处是，他没有加入很多象征元素充斥画面，人物很有表现力且非常平静，却凭借其微妙的张力紧紧地抓住观众。我们从这幅曾于1894年在沙龙展出的《纯真》中就可以发现上述布格罗作品的特质：虽然人物没有圣人的光环，却被赋予了宗教的圣神情感。

12
亚瑟·希尔（1858-1893）
《裸体的吹笛者》
布面油画
154.6 x 63.2 cm

        亚瑟·希尔（Arthur Hill）出生于诺丁汉，是一位风景画家及风俗画家。希尔的生卒年代不详——我们对他的生平所知甚少——目前普遍认可的画家生卒年代为1829-1894年。但是比较确定的是，1858年至1893年间，画家在诺丁汉及伦敦地区甚为活跃。他的作品曾被陈列于英国皇家学院、英国艺术家协会、格拉斯哥美术学院伯明翰皇家艺术家协会、利物浦沃克艺术画廊以及曼彻斯特城市艺术画廊。1880年，亚瑟·希尔被选为英国艺术家协会委员，并与詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒（James McNeill Whistler）交往甚密，这一点从两位艺术家所保存的信件中可以证明。作为弗雷德里克·莱顿 （Frederic Leighton）和劳伦斯·阿尔玛-塔德玛（Lawrence Alma-Tadema）的追随者，希尔也致力于重振古典主义画风，但他的贡献在很长一段时间中被忽视并受到了不公正的批判：他对画作中模特曲线的研究被贴上了肤浅的标签。评论家们批评他只注重呈现女性的美貌及优雅，但却忽略了人物的情绪和感受。从这一意义上来说，他的作品个性鲜明，注重表现裸体的古典美，画中人物通常不着寸缕或遮盖甚少。与阿尔玛-塔德玛及莱顿所不同的是，这两位通常更注重历史细节以及服饰细节，但是希尔把注意力都集中于女性身体所表现出来的形象，在他的画作中没有对建筑的塑造，而把背景仅仅简化为一堵墙或一方大理石地面。这完全不符合维多利亚时代的美学规则，即艺术作品中的裸露应服务于某个古典的主题，从而使得裸体并不会引起关于性的联想。因此希尔与詹姆斯·惠斯勒（James Whistler）及威廉姆·特纳（William Turner）走得更近，他们不仅仅满足于将自己的绘画技艺表现描画单纯的裸体，甚至创作了一系列表现情侣做爱场景的作品，在当时这些作品很自然会被视为一种亵渎及粗鄙的行为。

        亚瑟·希尔最重要的两件作品目前陈列于伯恩茅斯博物馆及罗素-科特斯艺术画廊，在这两件作品都呈现出令人惊异的真实的女性裸体。在画作《一个送水的埃及女人》（An Egyptian Water Carrier）（1881年）中，一个女人身穿一袭透明的黑色长裙，群纱下的乳房和私处甚至都清晰可见；这一表现手法使此作不能被归类于任何流派，也不能被归类于东方主题的作品中。希尔的另一件作品是《被囚禁的安德洛墨达》（Captive Andrómeda）（1876年），在这幅画作中，女性的裸体是更加舒展而毫无遮掩的，即使是将安德洛墨达束缚于岩石上的锁链也隐含着一种恋物癖的象征意味。在《赤裸的笛手》（The naked piper）这幅作品中， 画家在垂直的画面里通过人物肩膀与胯部的扭动构成一种不规则的平衡。尽管在这幅画中对女体的私处略有遮掩，但毫无疑问这一部位正是这幅画的重点所在。在这幅画作中，画家采用透视收缩法展现了女子性感的腿部，而对头部仅仅采用了中性的色值及结构进行处理，因为笛手这一人物的身份仅仅是用于表现女性裸体的一种背景，因而画家着重在身体部分呈现出不同的肌理及色调，从而表达出身体的温暖及感官的愉悦，并在背景中采用冷色调的大理石进行衬托，从而形成更鲜明的对比。

13
欧仁·玛丽·萨朗松
《捕虾者》
1884年
布面油画
134.6 x 86.4 cm

14
朱塞佩·布鲁格 （1849-1926）
《好奇的女仆》
1894年
布面油画
68.6 x 41.9 cm

        布鲁格在这件画作中展示了他处理细节方面的精湛技艺，尤其是对房间地板和洛可可风格饰物的描绘。艺术家对于年轻女仆的红色衣裙以及纺织帷幕上的光泽与色调颇费心力，不过，“好奇”才是作品的焦点所在。场景中女仆放下了手中的杂务，偷听门后的谈话，暗示了这种经常出现在女性身上的好奇行为。

15
加埃塔诺·基耶里奇（1838-1920）
《欢乐》
1871年
布面油画
57.8 x 47 cm

        加埃塔诺·基耶里奇生于雷焦艾米利亚（Reggio Emilia）。1850-1851年间，基耶里奇就读于当地的艺术学院，2年后进入莫代纳学院（Academy of Modena），之后在1858年进入佛罗伦萨学院的绘画学校学习。在佛罗伦萨，他获得了生平的第一个艺术奖项。1860年五月，他获得雷贾纳社区（Reggiana community）提供的奖学金，就学于博洛尼亚学院并成为朱利奥·切萨雷·法拉利（Giulio Cesare Ferrari）的学生。在此之后，基耶里奇的风格开始接近马基雅约利（macchiaioli，manchistas or manchadores）——马基雅约利成立于1855年，是19世纪60年代晚期意大利绘画界反学院主义的革新运动的一个艺术群体。60年代后期，基耶里奇被定义为现实主义的风俗画家，从那时开始，他的作品结合了易读的叙事性和趣闻轶事的情调。对于儿童的不太文雅的描绘和对于农民生活风俗的表现是他特别的兴趣所在，正如马基雅约利（macchiaioli）的绘画一样。基耶里奇的作品在伦敦、波士顿、米兰、帕尔马、那不勒斯和很多欧洲城市中都有收藏。华盛顿的科科伦画廊（The Corcoran Gallery）收藏有一幅他的《克莱门特·赫顿》（Clement Hutton）。基耶里奇最著名的作品之一，《Beffe al gatto》现在收藏在雷焦艾米利亚的地区博物馆，1873年曾在维也纳展出过这组绘画。

        《欢乐》和《忧伤》叙述的故事以儿童为原型，他们都是人最初的情绪的图像。艺术家表现出了其中的乐趣，同时也有失去天真的痛苦。画作中开放或是封闭的混乱的场景，通常被基耶里奇用来强调现实性。

16
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（1841-1919）
《母与子》
1885年
纸上色粉
92 x 74 cm

        19世纪80年代，雷诺阿开始对印象主义和室外工作的方式产生质疑。同时，他在法国南部、阿尔及利亚和意大利的旅行经历也对他的作品产生了极大的影响，，开始关注古典题材和描绘人体。此外，艺术家1885年个人生活的一个事件也改变了他对生活和艺术的看法——他的儿子皮埃尔的出生了。于是，母爱成为1885年—1886年反复出现在艺术家绘画中的主题。这件速写就是这一系列作品中的一件。它创作于1885年9月至10月间，全家人在画家的妻子沙里奥·艾琳（Charigot Aline）的家乡埃苏瓦停留之时。画中艾琳头戴一顶稻草帽子端坐着，正在为6月大的儿子皮埃尔哺乳。“每个以母乳喂养孩子的女人都是拉斐尔笔下的圣母”，艺术家这样形容这个充满母性的场景。因此，雷诺阿通过理想化的情景来呈现母爱题材，把女性形象置于田园诗般的环境中，和谐和美好。其他具有类似特征的作品还有几件，包括收藏在斯特拉斯堡现当代艺术博物馆的以及汉堡的 赫曼·施纳贝尔博士（Dr. Hermann Schnabel）收藏的色粉作品，还有在同一年创作的，收藏在奥赛美术馆的名为《母性》，又名《婴儿的健康》的油画作品。

17
皮埃尔·博纳尔（1867-1947）
《侧面站立的裸体》
约1905年
布面油画
67.3 x 46.2 cm

        这件作品创作于1905年左右，是博纳尔在1903－1910年间创作的52件裸体作品之一。这个时期，艺术家更加近距离地表现模特，有时甚至将其放在前景作为整个构图的主体，推进视角以强调面部、姿态以及身体结构，力求表现对象形式上的立体感和体积感，研究光影的变化和纸质屏风（Paper screens）的作用。1903－1910年是艺术家创作的成熟期，此时博纳尔不仅面对模特直接描绘其姿态，同时也留下很多速写和素描用以辅助记忆。可以说，博纳尔对于艺术形式的学习主要是通过与艺术家伙伴和友人的思想交流、旅行，到博物馆参观展览，以及日常绘画训练和对生活持续不断的观察中获得。众多的模特为他摆布姿势，供他仔细观察，特别是他在住所附近遇见的年轻女性。

        这幅作品中的女性很可能是玛利亚·布尔森（“玛尔塔”）（Maria Boursin，'Martha'），博纳尔1894年与她相遇并于1925年同她成婚——她也是博纳尔裸体画作中最常出现的形象。

        “古典与唯美——西蒙基金会收藏雕塑、绘画展”是2008年“古典与唯美——西蒙基金会藏欧洲19世纪绘画精品展”的续篇，19-20世纪初的56件精美雕塑，以及同时代绘画23幅将首次与中国公众见面。展览将再一次敞开私人珍藏的大门，邀请观众共享美的盛宴。

        近80件藏品云集了欧洲学院派、新古典主义、浪漫主义、现实主义，以及现代派艺术家的作品。它们的创作者可谓众星云集，囊括了众多欧洲艺术史上的声名卓著的艺术家，如吕德、莱顿、巴里、卡波、罗丹、克洛代尔、热罗姆、毕沙罗、雷诺阿、高更、博纳尔等。这些展品以丰富的表现形式、多样的艺术语言贯穿起一条19-20世纪初艺术流变的脉络。

        同时，本次展览还将强调一种分享的理念。艺术品的专业性将被弱化，取而代之的是令每一位观众都能看懂、欣赏和喜欢的美的展示。观众可以悠游于神话故事或生活场景中，亦可欣赏女性的优雅与孩童的天真，体味爱情的唯美与劳动的艰辛。这既有利于培养大众的审美情趣，也是对收藏家西蒙先生分享理念的传播。

        本次巡展将于2011年9月正式启动，在中华世纪坛世界艺术馆展首展后，到深圳博物馆、重庆中国三峡博物馆、浙江省博物馆、湖北省博物馆、河南省博物院依次展出，跨越6个省市，至2012年11月结束，为期14个月。

古典与唯美西蒙基金会收藏雕塑绘画展敬请期待！

注：1.2米以下儿童谢绝入内，1.2米以上需持票进场。